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-Mick Schumacher es parte de la familia Richard Mille.

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-Cerramos Baselworld 2019 hablando de TAG-Heuer y Breitling, dos firmas que presentaron sorpresivas adiciones a sus líneas de producto. Tuvimos en cabina a Gonzalo Villarreal, experto consultor en relojería para acompañar a Carlos Matamoros a hacer esa reseña.

-Manejamos el Jaguar I-Pace, un SUV completamente eléctrico y muy impresionante.

-Entrevistamos a Luis Peyrelongue, importante joyero de la Ciudad de México, quien nos compartió su visión sobre el negocio de la relojería, cómo ha cambiado al paso del tiempo y en qué consiste el éxito en un negocio tan complejo.

Al ver ‘Avengers: Endgame’ volví a añadir una de estas marcas de agua virtuales a las páginas (así sean digitales) que integran la reseña que ustedes leen y que yo mal escribo. Estoy contemplando una de esas reinvenciones profesionales que terminan en estrepitosos fracasos o en grandes triunfos para el ego, pero que terminan por marcarnos. Como en todo gran emprendimiento, hay que evaluar los factores del riesgo y reconocer al gran enemigo detrás de nuestros planes. Me resulta curioso reconocer el mismo villano para mis planes a futuro que el que contemplan nuestros héroes en esta ambiciosa historia. No, no hablo de Thanos. Pongan atención, por favor.

Hablo del tiempo. 

Sí, Thanos es de manera inequívoca el rostro físico detrás del gran antagonista. No, no es esa figura de “villano noble” en la que le hemos encumbrado, quizá para lidiar con el drástico asunto de que se escabechó a la mitad del Universo Cinematográfico Marvel (o del universo, punto) con sólo chasquear los dedos en el desenlace de la película anterior de la saga. De acuerdo, Thanos repite en el rol del adversario más temible, del oponente más letal, del intelecto más cruel y a la par más astuto dentro de este mundo superheroico. 

Pero no nos engañemos: el villano invencible siempre fue y siempre será el tiempo. Es el tiempo que tiene a nuestros protagonistas, agónicos sobrevivientes de ‘Avengers: Infinity War’, tristeando por un sombrío cuartel general de los héroes sobre la tierra, ponderando qué harían si tuvieran una oportunidad de rectificar sus acciones. Captain America (Chris Evans) quisiera haber tenido tiempo de reintegrarse al equipo que abandonó durante los eventos de ‘Civil War’ para ser más efectivo en la lucha recién perdida. Un recién rescatado Tony Stark (Robert Downey Jr.) se percata del tiempo que perdió en luchas internas cuando debió haberse dedicado a anticipar la llegada de Thanos. Thor es un desastre, y quisiera volver en el tiempo para asestar un golpe fatal en la cabeza del titánico alienígena de piel morada. ¿Y qué reclamo le hacen a una recién llegada Captain Marvel (Brie Larson)?

“¿Dónde habías estado todo este tiempo?” Y es que la necesitaban, claro. El hecho de que esté velando por el destino de miles, quizá millones de mundos además del nuestro, no es excusa. Nuestro tiempo es el que nos importa, siempre. 

La película parte de una cruel escena que nos retrata la enorme pérdida que significó para algunos de nuestros personajes el mítico chasquido que echó a andar el poder de las gemas del infinito. Toda la secuencia es simple, pero dolorosamente efectiva. Quienes estaban hace un instante se han desvanecido en el aire, y no hay respuestas. La ira y la impotencia mueve a los sobrevivientes a buscar una resolución, pero cuando localizan a un Thanos que parece haber mutado en humilde campesino interestelar, es demasiado tarde. Las gemas han sido destruidas. No hay forma de echar atrás el tiempo. 

Es en este punto donde la trama da un salto de cinco años que nos muestra las consecuencias de ese mundo reducido a la mitad. Y lo cierto es que el idílico equilibrio que el antagonista pretendía lograr con su “recorte de personal redundante” no fue más que una condena al dolor de la incertidumbre. Vemos que los sobrevivientes viven con culpabilidades, pero no progresan. La insensatez del acto no depuró al universo: simplemente lo arrojó a una búsqueda infructuosa de significado. ¿A dónde se fueron los desaparecidos? ¿Cómo superar su ausencia? El tiempo no cura estas pérdidas. Porque recordemos que aquí es el malo.

La fortuita reaparición de un “héroe menor” (el Ant-Man interpretado por un magnífico Paul Rudd) vuelve a colocar las fichas sobre el tablero de juego, revelando que el “espacio cuántico” donde él logra moverse puede fungir como una especie de puente hacia épocas previas. El hallar una solución viable para establecer dicho salto al pasado corresponde a dos de las mentes más brillantes de la Iniciativa Avengers: el previamente mencionado Stark y Bruce Banner AKA Hulk (Mark Ruffalo). El problema es que el primero ha descubierto una semblanza de vida familiar funcional y no quiere seguir jugando al héroe, mientras que el segundo… bueno, digamos que ha logrado vivir en un cómodo punto medio entre la salvaje bestia irradiada que todo lo destroza y el sofisticado científico que antepone razón a sentimientos. 

Pese a todo, sabemos hacia dónde nos lleva la historia. Y aquí es donde los directores Anthony y Joe Russo encuentran el primero de muchos aciertos: adoptar la narrativa de una heist movie. La cosa es que en lugar de planear el atraco a la bóveda de un banco o el hurto de una suntuosa colección de joyas, esta pandilla va detrás de las gemas del infinito en distintos puntos de su línea de tiempo. 

No, no es tan complicado como lo hice sonar. De hecho otro gran acierto es hacer un poco de burla a las películas de viajes en el tiempo mencionándolas de viva voz entre los diálogos, para después adentrarnos en varias misiones que revisitan filmes anteriores. Es curioso que estos saltos de tiempo logran además reivindicar algunos de los filmes menos afortunados del MCU (te estamos mirando, ‘Thor: The Dark World’), sin pretender reescribirlas de tajo. 

Así y todo, el momento en el que descubrí al tiempo como fuerza imposible de doblegar fue prestando particular atención a nuestros Avengers originales. Al contrario de los cómics que les dieron vida a los personajes, el cine es un medio por el que el tiempo pasa. Tiene el efecto benéfico de avanzar la tecnología al punto de que podemos “rejuvenecer” a muchos de nuestros actores (aquí ocurre en algunos notorios casos), pero todos sabemos que Robert Downey Jr. no va a poder extender mucho más su pacto con el diablo como perenne Iron Man. Simplemente no es natural que ocurra. El gag detrás de un Thor que ha perdido su imponente físico con el paso del tiempo es efectivo precisamente porque sabemos que es algo que tristemente ocurre en la vida real. George Reeves, el Superman de los años cincuenta, se pegó un tiro cuando se dio cuenta de que no podía hacer más las peripecias físicas requeridas por el hombre de acero. Triste. Real. 

Es por ello que el filme que todos sabíamos que constituiría un adiós para muchos de los personajes de la saga debe tomar las decisiones lógicas que surgen tras más de una década de estrenos con salas llenas. El vigésimo segundo título del MCU es una carta de amor para esos nombres que conformaron la franquicia fílmica más exitosa de la historia. Sí, es inútil negarlo. Estas películas van de lo pasable a lo francamente admirable. Exploran el drama shakesperiano, la épica construcción de mitologías complejas, el cine de espionaje, la comedia y un sinfín de subgéneros con plena soltura… pero siempre regresan a ese vínculo común. El gran plan, la gran historia que una toda las narrativas, está aquí sin ninguna duda de lo que tiene que hacer para entregarnos un final satisfactorio.

Y vaya que lo es. Para ser un filme que nos presenta la batalla más espectacular que el Universo Marvel jamás haya visto, se siente curiosamente íntima, entrañable. Hay adioses sentidos detrás de los sacrificios nobles, pero se sienten ganados a pulso. Cuando la luz detrás de los ojos que hemos visto guiñar decenas de veces, en la complicidad del “todo va a salir bien”, se apaga de forma inequívoca y concluyente, ¿qué nos queda?

Creo que nos queda estar agradecidos. Debo ver esta película un par de veces más y dejarla reposar (darle tiempo, vamos) para poder evaluarla con plena justicia, pero me está costando mucho trabajo encontrar argumentos para afirmar que no es la mejor. 

Así pues, ya sabes qué esperar. Haces bien si te has alejado de redes sociales y otras formas de comunicación humana para evitar ahorrarte las sorpresas, aunque quienes saben leer entre líneas las declaraciones de actores, directores y productores, siempre pueden intuir quienes sobreviven para luchar en un futuro filme y quienes han cerrado este capítulo inevitablemente. Pero hay que decirlo: si las despedidas que vemos en ‘Avengers: Endgame’ son definitivas… vaya manera de decir adiós, sin quedarnos a deber y dejándonos con la memoria de quienes algún día serán reemplazados dentro del personaje, pero jamás olvidados por la forma en que hicieron suyo dicho personaje.

Es tarde ya. Has empleado tiempo en ver las películas de Marvel, en leer estas reseñas, en especular sobre el rumbo que tomarán estas historias. Sólo recuerda que no debemos apegarnos demasiado a cuestiones que jamás derrotarán al paso de los años. El Tarzán de Weissmuller, el Bond de Connery, el Joker de Nicholson, todos fueron considerados en algún momento como versiones definitivas de los personajes. Hasta que un buen día descubrimos que no era así, y estuvimos bien con ello. El tiempo es un villano que no podemos derrotar, pero entenderlo nos permite sacarle provecho, hacer que trabaje a nuestro favor. Ser un poco héroes, a fin de cuentas.

El director de esa película, Jean-Luc Godard, acuñó una frase que encaja perfectamente con la anterior, y con lo que comunica ‘Roma’ (d. Alfonso Cuarón, 2018), una obra divisiva y, quizá por ello, brillante: “La realidad es complicada. Las historias le dan forma”. Anoten esas máximas quienes crean que Cuarón tiene una deuda con el realizador francés, por favor. 

Déjenme aclarar que yo no creo que tal deuda exista. Tampoco voy a sumarme al manojo de listillos que consideran que el mexicano no aporta nada nuevo, anunciando como descubridores del huevo frito que se apoya tanto en la estética visual como narrativa del neorrealismo italiano. Vamos a aclarar algo: Cuarón no tiene saldos pendientes con Godard, Visconti o De Sica. Y ciertamente no nos debe nada a ti o a mí. 

Alfonso Cuarón nada más quería contarnos una historia personal. 

Y lo que salió fue algo más… universal. Tenemos ante nosotros un filme inequívocamente mexicano, con sólidos roles femeninos pese a que su contexto histórico ubicaría lógicamente a la mujer en situaciones de plena sumisión. Es una obra que no busca glamorizar la condición servil del indígena, sino de darle una voz que llega a destiempo y que hoy día seguimos sin comprender. Una trama que se abstiene de telegrafiar su gran contexto y prefiere ubicarnos en los sucesos, para que percibamos la realidad por mérito, no por adoctrinamiento.

Ah, y logra lo anterior con una fotografía impecable, un diseño de producción exquisito y evocador, una perspectiva humana casi sin precedentes, un cuadro actoral novato donde la protagonista jamás se había plantado en un set de filmación, un lujo simbólico lleno de discreción y mesura, una belleza caótica… y un perro como único recurso humorístico.

No, queridos: Cuarón no nos debe nada. Si no te gusta su estilo o su película, todo está bien, no estamos ante un producto que busca el aplauso fácil. Es una labor más propia de un artesano que de un innovador, y eso está muy bien. Las dos películas previas de Cuarón, ‘Gravity’ (2013) y ‘Children of Men’ (2006) ya le ganaron un lugar como un visionario de la técnica, un hombre en busca de retos de manufactura. Y es que esos los resuelve cualquier cerebro izquierdo (analogía falaz pero útil, no me arroben), mientras que se requiere un talento especial para emocionar sin manipularnos. 

¿No me creen? Busquen contar de forma coherente un acontecimiento histórico relevante a través de su unidad de influencia más básica: la forma en que les afectó a ustedes, personalmente. En el peor de los casos serán criticados con el sobado “no puedes hacer que todo trate sobre ti”. Y en el mejor de los casos hallarás la metáfora perfecta, la dimensión correcta para sentir empatía hacia tu historia, hacia tu contexto. Bueno, felicidades si logras esto último. Sólo deja decirte que eso es justamente lo que Cuarón logra en ‘Roma’, una y otra vez: narrar esa historia chiquita, que tantas veces has pasado por alto, con la heroína más improbable como vehículo… y hacerla sonar grandilocuente, poética. 

El ritmo de ‘Roma’ puede parecerte cansino o reiterativo en el arranque, pero es hora de que seas honesto: lo que encuentras cansado es el mundo donde se desarrolla. Y es que es el mundo que hemos perdido. No había ubicuidad de pantallas distrayendo a cada miembro de una familia, sino una sola, un televisor de 24 pulgadas (a menudo en blanco y negro) que congregaba a la sociedad en su unidad básica después de los alimentos. Sí, los alimentos también se consumían en familia. ¡Aterrador!

No lo tomes como nostalgia manipulativa, ésa era la realidad. También era real la rutina de una familia de clase media, con su organización jerárquica donde la figura paterna dominaba tiránicamente los tiempos y atenciones, así fuere en algo tan trivial como estacionar el auto en la cochera. Y la realidad es que la ilusión de movilidad social se reforzaba siempre con la presencia perenne del personal de servicio.

Ah, el discreto, frecuentemente sometido personal de servicio. Esas invisibles presencias que hacían funcionar las vidas de personas a quienes llegaban a apreciar, pero donde nunca se alcanzaba el elusivo pertenecer. El amor a “Libo”, la nana indígena a quien el director dedica el filme, jamás se pone en duda. ¿Cómo hacerlo cuando el resultado es una confesión emocional que suena a acto de contrición? No sé qué tan cercanos a la realidad de la infancia de Cuarón sean los hechos, pero me queda claro que sabe de ese gran problema que nos afecta a los clasistas, racistas y pretenciosos mexicanos nacidos en el ‘Arriba y Adelante’ de Echeverría: el país de muchos en verdad le pertenece a muy pocos. 

Una vez que esa rutina de servicio queda establecida, ‘Roma’ construye su historia a base de pequeños dramas que se entrelazan en un tejido social común, con intrincados y sutiles matices. Aquí los hombres que abandonan. Allá el embarazo no deseado. Una soledad que encuentra compañía en un dolor difícil de expresar. Un cariño genuino por personas cuya cuna no compartimos, mientras sentimos un rechazo hacia nuestra propia sangre. Una búsqueda de equilibrio que es tan difícil de encontrar en el día a día como en un ejercicio de concentración dirigido por un musculoso Profesor Zovek.

Y en lo alto, recordándonos que hay otros mundos, otros dramas: aviones. Aparecen esporádicamente, forzando a que apartemos la vista de esas calles llenas de color dentro de la monocromía. Y sus estruendosos motores se pierden en una sinfonía urbana extraída de recuerdos, de jingles radiofónicos y chirriar de tranvías. El diseño sonoro de ‘Roma’ es una de las creaciones más prodigiosas que haya explorado el cine mexicano, y negarse a su embrujo es perderse de otra meticulosa y artesanal aportación que el proyecto puede presumir sin miedo alguno.

Pero el eje de todo es Cleo (Yalitza Aparicio). La Cleo que permite que leamos su mente dejándose arropar por la cámara en momentos de vulnerabilidad y de resolución. La Cleo que ama a “su niño”, pero no desea ver nacer a su niña. La Cleo bilingüe, cuyo español parco y respetuoso disfraza la alegría que resuena en su mixteco nativo. La Cleo que se pierde en un recuerdo de su origen cada vez que el viento levanta la tierra y la hace volar entre los árboles. La Cleo, carajo. Siempre la Cleo. No se puede decir suficiente de ella, y espero de corazón que la historia del cine le rinda justicia.

Un querido amigo, de esos que son más familia que simple amistad, me retó a no justificar mi crítica a ‘Roma’ mediante lo evocativo o lo emotivo. Imagino que sería un ejercicio tan inútil como afirmar que lo que me hace llorar del ‘Clair de Lune’ de Debussy es que está compuesta en Fa Mayor. ¿Cómo explicar que hay una escena en un hospital cuyo profundo dolor se comunica con una precisión despiadada… misma que he vivido de primera mano, permitiéndome certificar su autenticidad? ¿Les cuento de aquella vez en que mi familia y amigos apagamos un incendio en un bosque, igual que como lo cuentan en la pantalla? ¿Necesito relatar las visitas infantiles al negocio familiar de telas, ubicado en la calle de Campeche, y la forma en que mis pasos hicieron eco emocional gracias a una evocadora visita del elenco al desaparecido Cine Las Américas?

¿Para qué?

Me quedo con esos dolorosos pero necesarios anuncios de divorcio, con esa inclemente resaca de la playa de Tuxpan, con esa ilusión de morir acompañados mientras se mira al cielo desde una azotea. Me quedo con niños que todavía jugaban a ser astronautas, sin importar si lo hacían en lodazales de barriadas pobres o en los arroyos de una idílica campiña.

Me quedo con la idea de que el pulquito y el aguardiente le hacen bien al bebé, con el morbo análogo del adolescente que hojea revistas en un quiosco, con armas de fuego que amenizan picnics y que matan disidentes en las calles, con Siempre en Domingo y La Pantera, con el pretencioso lujo del Galaxy y la austera practicidad del Renault.

Me quedo con esos vastos lienzos pintados de luz donde seguimos una historia, mientras al fondo se desenvuelven docenas más. 

Me quedo con la historia de Cleo, porque ayuda al egoísta fin de recordar un poco de mi historia. No sea que me toque ser el primero en olvidarla. 

Y es que, parafraseando las líneas iniciales, la vida tiene derecho a ser triste, pero eso no niega su belleza.

Mi película de Queen tiene una escena donde la banda y David Bowie se reúnen para las grabaciones de ‘Under Pressure’. John Deacon crea ese incomparable riff de bajo sobre la incompleta ‘Feel Like’ de Roger Taylor, mientras David Bowie y Freddie Mercury improvisan versos entre copa y copa de vino, línea y línea de coca. Brian May intenta convencer a los dos andróginos ídolos de que la mezcla de la canción no es la apropiada, pero todo se convierte en un duelo de egos que dura 24 horas ininterrumpidas.

Mi película de Queen culmina con la grabación de ‘The Show Must Go On’. Es una auténtica prueba de fuego para el físico de un Mercury devastado por el sida. May le ofrece atenuar un poco los pasajes vocales más exigentes, a sabiendas de que su amigo no puede dar mucho más de sí. “Oh Brian, you’re fucking making me tear my throat to bits again!”, protesta el cantante mientras se levanta lastimeramente del sillón en el estudio. Freddie se yergue ante el micrófono, pide que corra la cinta y procede a grabar el himno más desgarrador de la banda… en una sola toma.

“I’ll face it with a grin

I’m never giving in

On with the show”

Todo muy emotivo en mi cabeza. Pero el problema de evaluar una biopic emana de dos situaciones muy claras, más allá de que el subgénero suele ser impreciso por naturaleza. Por un lado nos gana la admiración por el sujeto de la película (y no nos engañemos, ‘Bohemian Rhapsody’ es una película sobre Freddie Mercury, más que una película sobre Queen). Y por el otro, sucede lo que describo al principio del texto: todos tenemos nuestra propia película de Queen.

Antes de su estreno, el público potencial del filme se mostraba preocupado por una aprobación de 60% en Rotten Tomatoes. “Pues al parecer no está buena”, era el comentario recurrente. Después de ver la película me interesa leer lo que otros colegas opinaron, en especial si su calificación fue reprobatoria. Curiosamente me topé con muchos argumentos basados en lo que les hubiera gustado como temas centrales de la película, no necesariamente en lo que vieron en la pantalla. Punto adicional para desconfiar de los críticos (incluyendo al que lees en este momento, por supuesto).

“Traiciona tanto las raíces étnicas como la sexualidad de su protagonista”… “Pudo ser una poderosa declaración sobre los derechos LGBTTTIQ, pero se conformó con clichés”… “Si ya habían accedido a un actor de origen egipcio, ¿por qué no esforzarse un poco más y buscar a un parsi para interpretar el rol?”… “Mercury era mucho más que posturas andróginas sobre el escenario y pasión por los gatos”… y así, ad infinitum, ese sustancial sector que desea que las agendas sociopolíticas le roben lugar a las misiones primarias del mejor cine: entretener y emocionar.

Y por si fuera poco, olvidan lo más importante sobre la estrella de esta historia: antes que ser parsi, gay, temperamental, víctima del sida o ídolo de la música… Freddie Mercury siempre fue un crowd pleaser. Vivió para hacer vibrar al público, para borrar cualquier idea preconcebida que tuviéramos sobre la persona y quedarnos así con la música. Con la voz. Con el show.

No dejes que nadie te diga que ‘Bohemian Rhapsody’ está para arrasar con los premios de la industria, pues es un proyecto demasiado accidentado para aspirar a tanto. La producción experimentó más arranques en falso que una reforma educativa. Cambió de protagonista primero, de guión después, y de director en el transcurso del rodaje. Muchos críticos prácticamente salivaban ante la perspectiva de un fracaso en taquilla, pues los flops de alto perfil siempre garantizan clicks.

Y no, no es una joya de manufactura perfecta. Tiene demasiadas libertades creativas para serlo, además de que posee ciertas inconsistencias narrativas indefendibles (al parecer el resto del grupo sólo merece un backstory limitado a lo que estudió cada miembro en la universidad). Sin embargo, este filme es una especie de joya familiar: un preciado recuerdo que puede carecer de valor artesanal, pero nos damos el lujo de pasarlo por alto pues su estimación real reside en una trascendencia que se ha compartido generacionalmente.

Las carencias de la película vienen en materia de estructura, con pasajes apresurados que presentan cierto desconcierto para quienes buscan entender una clara línea de tiempo en torno al ascenso del grupo, de un desordenado proyecto musical universitario a la banda que hacía vibrar a centenares de miles de fans en monumentales giras mundiales. Y está claro que muchos de los conflictos han sido engrandecidos con miras dramáticas: los pleitos internos, la complicada relación de Freddie Mercury con su manager personal Paul Prenter, incluso las discusiones con ejecutivos de la disquera (amalgamados en un personaje ficticio a cargo de Mike Myers) son meras exageraciones para un proyecto musical que siempre se distinguió por ser atípicamente armonioso.

Pero esto da pie a que la historia se entretenga en mostrar una de las interpretaciones más espectaculares que se hayan logrado en torno a un artista icónico. Rami Malek ES Freddie Mercury, de los pies a la cabeza. Cada uno de los manerismos, los gestos teatrales y dramáticos, los cambios de voz relativos a los estados de ánimo, todo el conjunto de expresión histriónica nos retrata fielmente al vocalista andrógino y explosivo en escena, que más bien solía volver al retraído inmigrante una vez que bajaba la guardia de su persona pública. Esto es consistente con testimonios y biografías, pero los matices sutiles que logra el actor son un logro mayúsculo.

Si bien el resto del grupo no obtiene tanta cámara como Mercury, los retratos de cada uno de los miembros son fieles y atinados. El Brian May de Gwilym Lee es educado y profesional. Ben Hardy captura correctamente la personalidad de rockstar que era parte de la esencia de Roger Taylor. Y el discreto John Deacon, ese imprescindible “Quiet One” de todas las grandes bandas, obtiene varias líneas memorables y una sardónica complicidad con el trabajo de Joe Mazzello.

La órbita en torno a la banda también se ve bien servida por actores capaces. Allen Leech sobresale como el mencionado Prenter, con su trayectoria de mascota servil a antagonista práctico. Aidan Gillen cubre el rol del ejecutivo musical ambicioso, mientras que Tom Hollander equilibra la balanza como el abogado (y eventual manager) del grupo Jim ‘Miami’ Beach. Pero los mejores parlamentos al lado de Freddie pertenecen a Lucy Boynton como Mary Austin, la mujer que fue el amor de la vida del cantante y que presenció sus altibajos personales más allá de los que ocurrieron en el plano profesional. La amiga que se dio cuenta… y aún así eligió quedarse con el hombre que quiso vivir casi todo con ella.

Y todo lo anterior, en el fondo, no importa. Es en serio. Este análisis saldrá sobrando cuando puedas presenciar los 25 minutos finales de una recreación sin precedentes del Live Aid ’95: el momento en la historia de la música rock donde el mundo entero se detuvo para ver a su máximo frontman conquistando una corona que jamás le será arrebatada. La significación anecdotal de lo ocurrido en ese concierto es bien sabida, y ha cobrado nueva vida gracias a YouTube y a la capitalización de la nostalgia. Aún así, nada puede prepararte para la vibrante realidad de ver a Freddie Mercury moviendo a una audiencia de 72,000 personas en Wembley, y unos cientos de millones más vía satélite.

La tensión previa a tomar el escenario. Los ecos de la multitud resonando desde el graderío. El detalle meticuloso de cada gesto, cada movimiento, cada prop, el dinamismo de un grupo robándose el momento y haciéndolo parte de su legado… todo es perfecto. Ni las omisiones de un par de temas por cuestión de ritmo narrativo (las esperamos en el Blu-Ray, claro) pueden hacer mella en una de las secuencias más memorables que se hayan logrado en un biopic musical.

La trascendencia de ‘Bohemian Rhapsody’ se debe a varios momentos emotivos, engarzados entre canciones inmortales que resuenan con los recuerdos de muchos, sí, pero va un paso más allá. He podido ver la película con fans devotos de Queen y con personas que escasamente sabían de la existencia de la banda, pero hay consistencia y comunión en esos minutos climáticos. Son minutos de euforia y de trascendencia, pero también de lágrima y nostalgia. Son lo más cercano que muchos estaremos de vivir en carne propia lo que debió pasar por la mente de cuatro estudiantes de una universidad británica, quienes recordaron en ese preciso instante que, al final del día, lo único que debe importar es dejar satisfecha a la audiencia.

Y es en ese momento cuando puedo olvidarme de la película de Queen que hubiera deseado ver, y esta se convierte en MI película de Queen: cuando olvido que los escándalos, los vicios, las inconsistencias, la intolerancia y la tragedia nunca serán opacados por la grandeza de Freddie haciéndonos cantar a coro.

FINÍSIMOS: Estamos ensayando un nuevo estilo de reseñar restaurantes, pero quitándole toda la solemnidad y el “mamadeurismo” que suele abundar en esta clase de textos. La idea es que Toño y Mariana de Gastronomicast comenten al vuelo sus impresiones tras visitar un establecimiento, después de comer y beber como náufragos con buen fiador. Aquí la primera entrega…

TOÑO: Bueno, comenzaremos estas Reseñas Gastronómicas de Retache con Merkavá, de Daniel Ovadía y Salvador Orozco…

MARIANA: Decir “de retache” es NAQUÍSIMO.

TOÑO: ¡Pues como las “coplas de retache”! De acuerdo, es frase de tía, pero no te veo aportando nada más creativo a este estilo de hacer reseñas. Se queda “de retache” hasta que se te ocurra algo mejor. Seamos honestos, ESO NO SUCEDERÁ JAMÁS.

MARIANA: Silencio. Reseñas ……… a dos voces. jajajaja

TOÑO: Retiro lo dicho, sucedió. Y fue mucho peor de lo que esperaba que aportases (o sea, nada). Dejemos eso para después. De entrada debo confesar que escuchar que Merkavá hace “cocina de Jerusalén” me pareció extrañamente específico.

MARIANA: Seguro creías que Jerusalén era el nombre del cocinero.

TOÑO: Pensé que era de “Jesusa Allen”, sí, pero ese no es mi punto. Sonaba como si abrieras un restaurante de “Cocina de Ciudad Satélite”…

MARIANA: jajajja, de acuerdo. Empecemos ya, idiota.

TOÑO: Lo primero que debo resaltar –porque para variar llegaste tardísimo– es que la decoración del lugar está mamalona. Todo cool.

MARIANA: No llegué tarde, estaba poniendo monedas al parquímetro porque hay que aclarar que no hay Valet Parking.

TOÑO: Vale, después de que le robaste monedas al pobre pordiosero local para estacionarte con tu coche de #LadyCondechi, llegaste muy sácalepunta (frase de tía) a pedir que te sirvieran una limonada con jengibre.

MARIANA: Llegué a probar la limonada que estabas tomando y estaba en un punto perfecto de acidez, me pareció que un poco de jengibre rallado la haría aún mejor. Y sí.

TOÑO: Te concedo eso (de hecho acabé pidiendo una igual). Pero venías con ánimo cambiador y jodón, también tomaste la decisión ejecutiva de decidir qué tipo de hummus comeríamos… y en el fondo lo agradezco, estaba sensacional.

MARIANA: Todo basándome en que TÚ no debes de tomar ninguna decisión jamás. El punto es que yo ya había ido al lugar una vez anterior y me encantó. Es un sitio hecho para compartir, las porciones no son muy grandes ni tampoco muy caras. Tienen un par de hummus fijos y un hummus del día que jamás he probado, porque estoy obsesionada con el de ajo.

TOÑO: Ajo… ¿confitado, era? No sé, pero era un ajo diseñado por los mismos DIOSES DEL AJO. Axolotli, creo que se llaman en lengua náhuatl…

MARIANA: Sin comentarios a tus chistes. Pedimos el hummus de ajo que llega con un pan recién hecho y delicioso que se siente como una almohadita hermosa.

TOÑO: Pero obvio abarataste la poesía del momento exclamando “a este hummus sí le quieres meter la pita en caliente”, o una bajeza similar…

MARIANA: Calla, idiota, eso lo dijiste tú y solté una carcajada horrible que hizo salir a un par de mesas del lugar.

TOÑO: Ah, cierto… mi memoria no es lo que era. En fin, GRAN hummus, GRAN ajo, GRAN pita en caliente…

MARIANA : Eres un estúpido

TOÑO: OK, retomando: también pedimos una especie de tlacoyo jerosolimitano. Sí, estoy presumiendo que sé cuál es el gentilicio de Jerusalén…

MARIANA: Pedimos el hummus con ajo, la coliflor rostizada que llega con su propio sable para cortarla, luego el Lachmachun o no sé cómo carajos se escribe que es el tlacoyo ese falso del que hablas, cubierto de una carne molida ligeramente picante y espectacular. Tú pediste además unas hojas de parra que sí sabían mucho a cordero, tanto que empezaste a hablar de la barbacoa, ¿te acuerdas?

TOÑO: 92% de mis conversaciones terminan hablando de barbacoa, pero recuerdo que era el platillo del que más esperaba y fue el único que me quedó a deber un poquito, porque las hojas estaban ligeramente recias. El relleno magnífico, eso sí…

MARIANA: De acuerdo, tampoco fue mi plato predilecto, yo seguía patinando pedazos de pita en lo que quedaba del hummus y el labneh (jocoque) con el que viene la coliflor.

TOÑO: Creo que hay que hacer una breve pausa de respeto para hablar de esa coliflor, como si acabara de pasar Jennifer Lopez frente a nuestros ojos: Qué cosa espectacular…

MARIANA: Eres un sicalíptico. Asco mil.

TOÑO: Muéstrale respeto a J-Lo y a la coliflor de Merkavá, LO EXIJO

MARIANA: Después pedí la limonada de la casa con hierbabuena y no me gustó tanto como la mía con jengibre, así que te robé la tuya y te di la nueva con hierbabuena. Gracias.

TOÑO: No tienes nada que agradecer, pequeña. Particularmente porque no fue un acto voluntario, de hecho protesté vehementemente el hecho y te detesté aún más que de costumbre. Pero volvamos a hablar de la coliflor: asado perfecto, especias sensatamente aplicadas, todo bien.

MARIANA: Lo interesante es que es una coliflor entera, que llega a tu mesa y el mesero puede asistirte en la cirugía de despiece, o puedes hacerlo solo. La neta sí es un pequeño espectáculo verla llegar y piensas: “hueva, coliflor“, pero sí está deliciosa.

TOÑO: Creo que redondea muy bien la idea de “comamos juntos probando de todos los platos”, me dejó con las ganas de volver en un grupo grande, porque la verdad entre los dos no pudimos hacerle mucha merma a las porciones…

MARIANA: jajajaj de qué hablas? Nos tragamos todo, no quedó nada salvo como dos mini floretes de coliflor y media pita. Pero bueno, Miss Anorexia… luego pedimos de postre el Knafeh, que lo mandan con helado de pistache, pero como yo iba de cagante pedí que le pusieran del de azahar y me hicieron el favor de cambiarlo, quedó UFFFFFFF.

TOÑO: Aunque el OSAZO de ir con la naca que cambia todo a su gusto no me lo quita nadie, la neta. Pero fue buena sugerencia.

MARIANA: Esta sugerencia venía de un conocimiento previo, en la primera visita probamos absolutamente TODOS los postres y me pareció que el helado de pistache mataba el sabor delicadísimo del Knafeh, que es como una especie de fideos de amor con quesito y el helado… que contado no suena bueno, pero está realmente exquisito.

TOÑO: Después de que yo exclamé que se les había olvidado el chipotle en el fideo seco y que me corregiste, explicando que era el postre, sí fui muy feliz.

MARIANA: La paciencia del pobre del mesero que nos tocó es digna de reconocimiento: tú un imbécil y yo cambiando varias cosas, pero bueno…  al final la experiencia fue realmente buena y por lo menos una vez a la semana se me antoja ir a Merkavá.

TOÑO: Sí, ese man que nos atendió debería estar gestionando la paz en el medio oriente, es un santo. ¡Ah, y de salida me regalaron un panquesote!

MARIANA: Se llama Babka, no panquesote, idiota. Ya, vamos a los rankings…

TOÑO: Los nombres son lo de menos, ni siquiera sabemos bien cómo se llama el tlacoyo ese, creo que era Lamchun Lamchun Ra Ra o algo… En fin, los rankings: explícame tu escala que no entiendo ni mais.

MARIANA: ¿Qué calificación le pones al lugar: del “Cero” al “Llevaría a cenar a mi suegra”?

TOÑO: Yo le daría un “Llevaría a una date, pero me reservaría la silla cómoda para sentarme yo en ella porque IGUALDAD”. O sea, es como un 8, generoso.

MARIANA: Lo que está padre del lugar es que puedes ir de cita de amor, reunión de amigos, cosa de trabajo, en familia. Como el concepto es compartir, está bien para cualquier categoría, SALVO ir con tu hermano el Nel.

TOÑO: Al Nel me llevaría peña llevarlo hasta al cadalso, de hecho. Pero de acuerdo con la versatilidad de Merkavá, es un restaurante multipropósito por excelencia. El menú, ¿qué calificación en la escala de “Cero” al “Quisiera tener dos bocas y cuatro panzas para abarcar todo su deliciosismo”?

MARIANA: Yo le pondría un 9 al menú. Me parece una oferta prudente y distinta sin jalarse los pelos con sabores desconocidos y que asusten a la gente.

TOÑO: Coincido, además de que cuando el platillo menos espectacular se está rifando en sabor con los mejores de ese mismo tipo en otros restaurantes, sabes que la experiencia lo vale. Me refiero a las hojas de parra: fueron lo menos espectacular y aún así compiten con las mejores que he probado en otros sitios.

MARIANA: Mi resumen general de Merkavá: Buen precio, pues puedes compartir. Todo es rico, pero hay algunas cosas superiores, es un lugar muy bonito pero sin distraer demasiado. Lo puedes usar para cualquier tipo de ocasión que tengas y de verdad sí hay un par de platos que hacen que quieras cruzar la ciudad para ir. Así que en resumen es en este momento uno de mis lugares favoritos.

TOÑO: Cien por ciento de acuerdo, justo lo acabo de recomendar ampliamente para el cumpleaños de la novia de un amigo, y al parecer su experiencia fue de primera. Creo que es un restaurante que no se complica la existencia y menos se la complica al comensal, eso se agradece. Y ese hummus…

MARIANA: Creo que yo también se lo recomendé al mismo amigo para el mismo evento.

TOÑO: ¿También eres amiga de Kevin Spacey? ¡Mira tú!

MARIANA: Qué asco… KS siempre me ha dado guacalosidad.

TOÑO: Bueno, esto fue todo en nuestras Reseñas Al Alimón (nombre de tía en trámite).

MARIANA: Piedad.. te quiero, siempre disfruto ir a comer contigo, aunque me avergüences mil millones.

TOÑO: Nada como cuando tú confundiste el “Omakase” con el “Ola Ke Ase”, eso sí… bueno, bai…

MERKAVÁ

Av. Ámsterdam 53, Condesa

Martes a sábado 08:00 – 00:00, domingos 08:00 – 18:00